Capturer des portraits de musiciens est l’une de mes choses préférées à faire. En tant que musicien moi-même, je pense que j’ai une perspective unique qui m’aide à me connecter avec mes clients musiciens. Travailler avec d’autres créatifs est toujours une séance de portrait inspirante, et trouver de nouvelles façons d’incorporer un instrument dans un portrait est un défi amusant. Dans l’article d’aujourd’hui et la vidéo qui l’accompagne, je vais vous donner cinq conseils qui m’ont aidé à créer des portraits engageants de musiciens.
1. Commencez Par Des Tirs À La Tête
Chaque fois que je photographie un musicien, je commence la session avec des headshots à la tête et aux épaules. Il y a un certain nombre de raisons pour lesquelles je commence de cette façon. Tout d’abord, j’ai constaté que de nombreux musiciens n’ont pas une grande photo de leur visage seul, et au lieu de cela, leurs photos promotionnelles ont tendance à être une variété de portraits avec leurs instruments. D’un point de vue pratique, leur fournir une photo de la tête est logique, bien que ce ne soit pas mon impulsion principale. Commencer la session avec des tirs à la tête m’aide à atteindre mes objectifs artistiques et à me connecter avec le client.
Permettez-moi de vous expliquer: Tout d’abord, commencer par un headshot de la tête et des épaules me permet de coacher mon client sur les expressions faciales et les angles, ce qui nous permet à tous les deux d’apporter de la clarté aux types d’expressions que nous préférons dans les portraits. Deuxièmement, cela établit que l’artiste est plus important que le médium (plus à ce sujet plus tard), et troisièmement, lorsque le client voit un cliché impressionnant, auquel il ne s’attendait pas ou dont il ne pensait pas avoir besoin, cela donne un ton positif pour l’ensemble du tournage, et rend la collaboration excitante et amusante.
Prenez, par exemple, cette photo du trompettiste de jazz Tony Glausi. Quand j’ai dit à Tony que je voulais commencer sa session avec des tirs à la tête, il a été gracieux de me laisser une certaine marge de manœuvre, même s’il ne pensait pas que les tirs à la tête étaient nécessaires. C’est probablement parce que la plupart des gens pensent à des photos d’entreprise ou à des “photos glamour” lorsque vous dites le mot “headshot ». »Une fois qu’il a vu les images que nous avons capturées de son visage, il a immédiatement compris l’importance et l’impact d’une photo de tête impressionnante, et a été inspiré pour le reste de notre session.
2. Artiste D’Abord, Moyen Deuxième
En tant que musicien, j’ai souvent pensé à être un artiste et au rôle que joue ma basse dans le processus. C’est facile de dire: “Je suis bassiste”, mais au fur et à mesure que j’ai grandi musicalement et en tant que photographe, j’ai réalisé que, d’une certaine manière, l’art transcende le médium utilisé. Si j’étais privé de ma basse ou de mon appareil photo, je ne cesserais pas d’être un artiste. Donc, sans être trop philosophique, j’aime porter une attention particulière à l’artiste et pas seulement à son médium préféré.
Par exemple, si je prenais une photo d’un poète, je ne mettrais pas nécessairement une pile de livres autour d’eux, ou je ne les photographierais pas avec une plume et de l’encre. Bien que cette approche puisse être efficace, je vous encourage à sortir des sentiers battus lorsque vous travaillez avec des musiciens. Dans mes portraits de musiciens, je garde mon attention sur l’humain, l’être créatif unique en son genre qui se trouve dans mon atelier, et le privilège de les capturer à un moment unique dans le temps. Cela en fait un portrait plus intime, engageant et artistique, et enlève également certaines des limites que nous nous sommes imposées pour nos collaborations.
3. L’Instrument n’est pas un accessoire
Une fois que vous avez établi la confiance avec votre client et que vous l’avez examiné en tant qu’artiste en premier, il est maintenant temps d’introduire son médium préféré dans la session. Il est extrêmement important de comprendre qu’un instrument n’est pas un accessoire. Utiliser l’instrument comme un accessoire comme une échelle ou un canapé n’est généralement pas la meilleure approche, car cela diminue l’importance du médium choisi par l’artiste. Rappelez-vous que l’instrument est la possession prisée de l’artiste, et ils sont ravis de l’incorporer d’une manière qui le respecte artistiquement. Bien que cela puisse sembler être une contradiction de ce que je viens de dire ci-dessus, ce n’est pas le cas. Bien que l’artiste ait une importance primordiale, l’instrument doit également faire partie intégrante de la composition et être rendu de manière à rehausser le portrait sans devenir cliché.
Dans cette image du bassiste de jazz Martin Wind, je voulais créer quelque chose qui n’était pas seulement nouveau, mais qui montrait aussi la puissance de la contrebasse. Mon idée était que Martin tienne sa basse sur ses épaules, pendant que je photographiais quelques angles différents. L’image résultante transmet non seulement le poids physique de la basse et le “fardeau” qu’elle peut être, ce à quoi tous les contrebassistes peuvent se rapporter, mais elle transmet également le bassiste portant le monde, ou dans ce cas, tout le groupe, sur ses épaules.
4. Se rapprocher
Comme je suis dans l’âme un photographe de headshot, j’aime me rapprocher de mes sujets musiciens. Je recommande fortement de l’essayer lorsque vous prenez des portraits de musiciens. Bien sûr, je recommande de prendre une variété d’angles, de poses et de cultures, car c’est la meilleure pratique et fournira une merveilleuse variété à votre client. Mais, souvent, les photographes ne parviennent pas à se rapprocher lorsqu’ils photographient des musiciens avec leur instrument.
Prenons, par exemple, ce portrait de Peter et de sa contrebasse. Tout ce dont le spectateur a besoin pour comprendre la photo est le défilement de la basse. Ou, dans le portrait de Tony ci-dessous, la cloche de sa trompette indique clairement qu’il est trompettiste, sans forcer l’attention sur la trompette. Alors, n’ayez pas peur de vous rapprocher et expérimentez en mettant en valeur très peu de l’instrument. Cela donne souvent les portraits les plus percutants.
5. Vous n’en avez pas besoin pour jouer de l’Instrument
D’après mon expérience, faire jouer des musiciens pour moi pendant que je les photographie dans mon studio donne généralement des images ennuyeuses. Je pense qu’il y a plusieurs raisons pour lesquelles cela est vrai. Premièrement, lorsqu’un musicien est en train de jouer, ses yeux sont généralement fermés, et beaucoup d’entre eux (moi y compris) feront des visages étranges ou se contorsionneront en jouant. Si je photographiais une performance live, je pense que tout cela ajoute aux photos, mais en studio, cela semble forcé et déplacé.
Deuxièmement, lorsqu’ils jouent pour vous en studio, ils ne jouent généralement que quelques notes avec désinvolture, et non dans leur “zone” en tant que musicien, ce qui modifie toute la dynamique des photos résultantes. Il y a des exceptions à cette règle, bien sûr, mais je pense que c’est une bonne pratique générale. Je vous conseille de les laisser jouer de leur instrument pour vous pendant que vous installez vos lumières et prenez des photos d’essai. De cette façon, vous avez le temps de bien configurer votre installation et il n’y a pas de pauses gênantes dans le tournage.
Conclusion
Comme pour tout article de cette nature, il est important de se rappeler que les “règles” ci-dessus ont été faites pour être enfreintes. Pour être clair, je vous suggère de ne pas considérer tout ce que j’ai dit comme des règles, mais comme des conseils pour créer un portrait de musicien réussi. Comme pour tout art, tout est subjectif et ouvert à l’interprétation, et votre objectif ultime lorsque vous photographiez des musiciens est de les aider à réaliser leur vision artistique pour le tournage et de laisser votre studio ravi des résultats.